Durant l’année académique 2021-2022, les étudiant·e·x·s bachelor de deuxième année en illustration ont examiné et pratiqué toutes les étapes de construction d’un récit. Le premier semestre était consacré à l’écriture d’un scénario sous la supervision de Sofia Kouloukouri. Le second semestre a été l’occasion d’adapter cette matière textuelle dans la forme graphique et narrative la plus pertinente : une bande dessinée, un livre illustré, un compte Instagram, etc. Nous publions des extraits des étapes intermédiaires et des travaux finalisés d’Olive Reitz, Michaël Monney et Elena Pribytkova. Sofia Kouloukouri (scénario), Clément Paurd, Helge Reumann et Peggy Adam (adaptation), reviennent dans leur texte sur les enjeux pédagogiques de ces ateliers et les questions méthodologiques et théoriques propres aux opérations de mise en récit.

Noirmoutier 2021, d’Olive Reitz

Le scénario :

Un jeune couple part pour les vacances sur l’île de Noirmoutier, dans la maison familiale de la narratrice. La météo n’est guère amène. Les jours en k-way à lire du Stieg Larsson se confondent, jusqu’à la disparition inexpliquée de pots de fleurs pendant une nuit. Cette volatilisation en annonce d’autres qui, par rebond, vont agir comme un agent de déstabilisation sur la relation du couple d’estivants.

Extrait :

Scène 5

Un matin, sur la terrasse, les pots de géraniums ont disparu. Il en reste des traces, des ronds plus clairs sur le sol, qui témoignent du vol. Ces pots très gros appartenaient à ma grand-mère. Elle plantait des géraniums parce qu’ils sont réputés pour éloigner les moustiques. On riait beaucoup avec mon frère, petits, quand on voyait les insectes se poser fièrement sur les pétales – ils n’avaient pas l’air embêté. Avec Vinvin, on reste droit comme deux bâtons, bouches bées, en fixant l’absence. J’ai une sensation désagréable au fond de la bouche, celle d’un chagrin chaud, en imaginant des pieds inconnus fouler notre jardin et des mains gantées toucher aux souvenirs. J’imagine des silhouettes se déplacer, dans une chorégraphie décalée par rapport à la nôtre, celle de l’habitude. Les pots trop lourds et leur raclement sur la terrasse, nous endormis, à quelques mètres. J’avais entendu que des fourgonnettes blanches passent dans les rues nocturnes pendant la saison des touristes, à la recherche de tout ce qu’il y a de cher dans les jardins des autres. La journée se déroule, semblable mais un peu différente. J’oublie presque l’incident, qui n’a plus l’air d’affecter Vinvin non plus, en mangeant notre mozzarelle-tomate.

La bande dessinée :

« Les dix-huit scènes du scénario ont été ramenées à six pour la version en bande dessinée. Quand j’écris, je visualise d’emblée certaines planches. Ce sont celles que je garde et qui forment l’ossature de la bande dessinée. Je sélectionne ensuite la matière additionnelle qui me permet de construire un récit cohérent. Des personnages de lézards, absents du scénario, sont apparus lors du passage au dessin. Ils composent un récit secondaire à visée humoristique qui nous extirpe de la tension entre les personnages et vient rythmer ou dé-rythmer le récit principal.

Le dessin stylise l’environnement visuel restreint de l’île avec ses maisons aux tuiles oranges et ses pins. Les grandes ombres portées reflètent les couchers tardifs du soleil sur cet île océanique. Au fil du récit, on se rend compte que des éclairages artificiels en sont la cause. Pour me détacher du récit autofictionnel, j’ai imaginé que l’histoire se déroule sur une scène de théâtre. À mesure qu’elle se dégrade, ces éléments scéniques deviennent plus visibles. Cette prise de distance est également un ajout par rapport au scénario.

Comme j’aime autant écrire que dessiner, ma méthode consiste à poser d’abord les dialogues dans un prédécoupage semblable à des notes d’avant-projet. À partir de cette étape, je compose ce qu’on appelle un découpage, la maquette du récit, qui me permet de partager mon travail avec d’autres. Puis viennent les recherches couleurs, qui m’ont amenées dans le cas précis à développer un code de bleu-vert pour la journée, et d’orange-ocre pour la soirée. »

Reviens, de Michaël Monney

Le scénario :

Au réveil d’une nuit mouvementée marquée par l’intrusion en rêve d’un cow-boy querelleur et d’une jeune femme lascive, qui sont autant de sources de malaise pour le narrateur, celui-ci se prépare à assister à l’enterrement de son meilleur ami Gérard. Au fil de la journée, les souvenirs du défunt affluent et un dialogue imaginaire se noue avec lui, rappelant à ce personnage peu adapté à la vie sociale, combien sa relation amicale lui permettait d’affronter un réel hostile.

Extrait :

Je suis seul. Personne. Désespérément seul. Je viens d’avoir l’occasion d’enfin parler à des gens. Je n’en ai pas profité. Le vide, le blanc. Je traverse l’espace-temps à la vitesse de la lumière, tel un navire spatial orphelin de son peuple. Le dernier survivant, l’unique être humain restant, séparé de toute autre forme de vie.
Le froid de l’extérieur sort de la salle de bain quand j’y rentre. Le rideau de la douche est ouvert devant moi. Recroquevillé dans son coin. Le carrelage bicolore, en bleu, du mur du fond de la douche brille du mieux qu’il puisse. Une goutte tombe du pommeau. Bien qu’il y ait une petite fenêtre au-dessus du carrelage, la pièce s’assombrit. Un nuage gris passe très certainement au-dessus de ma colline.
Je reste devant cette douche, en chantonnant une musique de « Bon entendeur ». Je tends ma main droite sur l’évier, je ressens l’eau légèrement fraîche sur mon cou. Mes pieds se mouillent dans une espèce de pédiluve privé. Je tire le rideau car j’ai froid. La fenêtre se floute. Une brume se disperse jusqu’à que je peine à voir le bas de mes jambes.
Je remarque, en levant légèrement la tête, que la vitre n’était pas si bien fermée. Je pose le bout de mes orteils sur le petit rebord collé au mur du bac de la douche. Mon bras tendu touche à peine la poignée, puis ferme doucement la fenêtre.
Je continue de chantonner : « Mes deux amants sont beaux comme les arbres fous, mes deux amants sont doux, doux, doux ».
Ma main s’allonge de la même manière qu’avant, pour cette fois-ci, atteindre mon shampoing posé sur le haut du mur de la douche. Ce mur ne touche pas le plafond, ce qui agrandit cette petite salle bain. Derrière lui se trouve le robinet, là où je me lave les dents tous les matins. Un petit miroir rectangulaire y est accroché juste au-dessus.
« Je suis à eux de l’âme jusqu’à la peau, les nuits sont longues, les jours sont chauds ».
Je pèse sur l’évier pour sortir de la douche. Je replie le rideau dans son coin. La fumée a envahi la pièce. Je me dirige sans prendre de quoi m’essuyer vers le miroir. Le but étant de me préparer pour l’évènement.
– Qu’est-ce que tu aurais fait à ma place ?
Je me parle dans le miroir.
– Comment tu te serais habillé pour le mien ?

La bande dessinée :

« J’avais un avantage, car mon scénario découlait d’une série de dessins que j’avais tracé ces deux dernières années dans un carnet. J’ai donc pu reprendre certaines idées initiales. Comme mon scénario est long d’une cinquantaine de page, l’étape du découpage m’a permis choisir ce que je voulais garder pour ne pas doubler ou tripler la matière au passage au dessin. Le long rêve du début est condensé en une seule grande image. J’ai aussi décidé de couper entièrement la fin de l’histoire et de m’arrêter à la scène de l’enterrement qui constitue le climax attendu du récit. Dans cet espace narratif réduit, j’ai tenté de suivre une économie d’une planche par page de scénario. Le texte, sous forme de narration, correspond quasiment mot pour mot à celui du scénario. En revanche, certains points de vue se sont inversés lors de l’adaptation. Par exemple, une course jusqu’à l’église parce que le personnage est en retard est illustrée par une série de dessins de bâtiments du village que le personnage longe pendant qu’il se hâte. Ces instantanés me semblaient plus plaisants visuellement qu’un personnage au pas de course.

J’ai opté pour des dessins aux feutres car je voulais m’éloigner de mon style habituel à tendance humoristique. L’histoire étant sérieuse et sensible, puisqu’elle parle de deuil, il m’a semblé que je devais changer de technique. En fouillant dans mes tiroirs, je suis tombé sur de vieux feutres stabilo, pas très qualitatifs, mais dont la texture m’a tout de suite plu. Des gammes de couleurs froides marquent le présent, tandis que des couleurs plus chaudes illustrent les souvenirs avec Gérard ou ce que les deux personnages auraient pu vivre ensemble. J’ai donné un nouveau titre à la bande dessinée qui est devenue Les autres me font peur. »

La pêche de nuit, d’Elena Pribytkova

Le scénario : 

Pour échapper à la routine qui englue leur couple, Alice organise un weekend en amoureux en pleine nature pour fêter l’anniversaire de Marc. Arrivés dans un cadre enchanteur, loin de tout, ils sortent admirer le paysage et en oublient leurs téléphones et la clé de la voiture qui se verrouille automatiquement. L’aventure tourne au cauchemar.

Extrait :

Depuis des années, le 13 mai était une date importante.
C’était l’anniversaire de Marc, ses 25 ans, et je voulais à tout prix lui faire des surprises.
J’essaie toujours de lui rendre ce jour spécial. J’ai pu lui offrir un tatouage, un saut en parachute, un baptême d’hélicoptère ou un voyage à Amsterdam et en Italie.

Cette fois-ci je voulais lui offrir une journée au bord d’un lac sauvage. Je l’ai trouvé sur un forum de camping-car, qui disait que c’était un spot parfait pour voir les étoiles et voir de magnifique coucher de soleil dans le reflet du lac. C’était aussi un endroit difficile d’accès où il est déconseillé de se rendre avant fin mai, en raison de la neige fondue et de l’absence d’habitation a proximité. Mais pour moi ce n’était pas un problème, on avait l’habitude d’aller dans des endroits comme ça. On adore voyager et passer du temps dans la nature. On cherchait à s’isoler dans les montagne pour échapper à la routine.

J’avais tout planifié : on arrivera là-bas avec notre pique-nique, que je cacherai dans le coffre derrière le sac d’affaires, on fera un tours autour du lac pour essayer son nouveau drone, pour prendre des photos de la nature et se faire des souvenirs.
Après une petite balade, on aura mangé les snacks que j’avais préparé, soufflé les bougies et dégusté le délicieux gâteau.

C’était censé d’être bien.

La bande dessinée :

« L’histoire que je raconte dans mon scénario est inspirée d’une aventure que j’ai vécue. Dans la panique, on ne remarque pas les éléments environnants. Or, quand bien même on est totalement déprimé, la nature, elle, se porte très bien, les oiseaux chantent ! J’ai voulu rendre compte de ces multiples plans de réalités dans ma bande dessinée – ma toute première – en insérant des détails ou des gros plans dans des petites cases qui se superposent sur l’action principale plus linéaire. Le cours d’écriture de scénario de Sofia Kouloukouri m’a entraînée à être attentive à ces éléments de détails dans les films.

J’ai conçu une grille comme en mise en page graphique pour introduire ces petites cases au long du récit. Tout a été calculé.

Comme le français n’est pas ma langue maternelle, j’ai cherché à réduire le texte. Certaines réflexions des personnages ou leurs réactions dans les moments les plus stressants du récit devraient subsister de façon à connoter leur caractère. Mais j’ai voulu que l’essentiel passe par le dessin. J’ai étudié beaucoup d’albums pour voir comment ces auteur·ices transmettent les émotions des personnages par le langage corporel, par un regard ou un mouvement de main. Après avoir commencé mon travail au crayon, je suis passée au dessin à la tablette. J’utilise trois couleurs : le bleu pour l’histoire principale, le violet pour mettre en valeur certains éléments importants, comme la serrure de la voiture qui se verrouille, et le jaune pour figurer certains aspects plus paisibles, de paysage par exemple. »

Le cinéma comme langage commun

Par Sofia Kouloukouri, Clément Paurd, Helge Reumann, Peggy Adam

I. Les enjeux du scénario et du découpage

Dans son cours d’écriture de scénario, Sofia Kouloukouri souhaitait que chaque participant·e·x soit capable de reconnaître et analyser la structure de l’intrigue dans des romans, des films, et autres supports narratifs, et d’intégrer cette structure dans sa propre écriture. Il s’agissait aussi de se familiariser avec la mise en scène et le découpage qui rapproche la BD au cinéma, mais aussi à la peinture. Aux questions scénaristiques, narratologiques et de dramaturgie, s’ajoutaient donc celles de cadrage et de découpage. « Étant script coach, explique Kouloukouri, le prisme par lequel j’approche le récit, même si j’ai beaucoup utilisé de références littéraires, est le cinéma. C’est aussi parce que je trouve qu’il y a de grandes similitudes entre la BD et le cinéma. On le voit si on démonte un film carré par carré. La bande dessinée est un genre de cinéma un carré par seconde ou chaque écran peut s’autonomiser, exploser sur la page et changer de format. »

Sofia Kouloukouri emploie l’anglicisme de « confrontention » pour parler de ce qui est, selon elle, à l’origine de tout récit, un sujet auquel on se sent confronté·e·s, où il y a une tension à résoudre. « Je propose de suivre cette pulsion pour l’irrésolu. Le récit est un outil qui permet de tisser des liens entre ce qu’on sait et ce qui nous dépasse. »

L’écriture du scénario devrait poursuivre la maxime : « show don’t tell ». Le sensoriel, c’est-à-dire le corps, occupe le devant de la scène dans le texte. Le dialogue est un ingrédient plus retors. Les films d’Arnaud Desplechin montrent que la quantité de paroles est souvent proportionnellement inverse à celle de vérité qu’ils contiennent. Plus les personnages parlent, plus ils risquent de mentir. Les dialogues les plus mémorables concernent parfois des sujets futiles, à l’incidence minime sur le récit, comme c’est souvent le cas dans les films de Quentin Tarantino.

Pour ce qui est de la construction, les références sont multiples : de Jeff Wall et ses photographies complexes à l’apparence documentaire, en réalité totalement mises en scène, à Vladimir Propp et son fameux schéma actantiel, développé à partir des personnages des contes populaires russes, jusqu’aux écrivaines Alice Zeniter et Ursula K. Le Guin, qui ont déconstruit la notion de quête du héros comme une approche narrative masculine.

L’enseignante intègre encore à son cours des réflexions sur la grammaire cinématographique, de l’image-temps de Deleuze aux superpositions de plans de Chris Marker, au rôle des écrans noirs, aux effets de répétition, mais aussi à la profondeur de champ et au mouvement de plan, autant d’éléments qui peuvent trouver un équivalent dans l’univers de la bande dessinée.

II. Les enjeux de l’adaptation

« La première chose qu’on constate lorsqu’on passe à l’adaptation, c’est qu’on aborde différemment les mots quand on les met en image, qu’un glissement se produit forcément entre l’écrit et sa forme graphique », soulignent pour leur part Clément Paurd, Helge Reumann et Peggy Adam.

Le travail du dessinateur rejoint celui du metteur en scène ; une longue phrase descriptive devient un décor que l’œil du lecteur·rice lira en une seconde, a contrario une situation banale et triviale dans le scénario textuel donne lieu à une longue séquence dialoguée dans la version dessinée. « L’enjeu d’un tel projet est d’amener les étudiant·e·x·s à questionner les diverses formes que recouvrent la narration en images en développant à partir de ces textes une approche singulière d’auteur·trice », poursuivent les trois enseignant·e·s.

Après avoir repéré les passages clés du récit qui seront transposés en images, scénettes, séquences, il s’agit à travers le découpage, étape de dessin et de mise en scène préparatoire, de restructurer l’histoire en effectuant coupes et ajouts pour lui dessiner un nouveau squelette.

Cette première esquisse du projet qui doit comporter tous les éléments de la version finalisée (mise en page, composition, rythme, dialogues) donne une vue d’ensemble de l’adaptation et permet une base de discussion sur la structure même du récit.

Les étudiant·exs abordent toute la grammaire de la bande dessinée et de l’illustration à travers le rapport entre le texte et l’image, la lisibilité du dessin, les choix de cadrage, la fluidité de lecture, le recours à l’ellipse, le rythme général, tout en les confrontant aux écueils de la redondance entre ce qui est dit et montré, aux erreurs de mise en page, de déséquilibre graphique, d’inconstance typographique… Ces allers-retours, le tâtonnement, les tentatives et les impasses rencontrées alimentent tout autant la réflexion autour du processus créatif.

Une fois la matière narrative remodelée en un squelette solide, les étudiant·exs investissent la représentation graphique de l’histoire. Les un·exs passent par une étape de recherches de personnages, d’environnements à travers différents outils et techniques, d’autres préfèrent entrer directement dans la réalisation des images par le crayonné qui vient préciser le dessin, la composition et donner la structure graphique de l’ensemble. Cette étape donne lieu aux derniers ajustements de mise en scène, introduit les notions d’ambiance (éclairage, cadrage) et de couleur et amène le projet vers sa finalisation.