Le défilé : fin d’un règne ou nouvel élan ?

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L’avenir de la mode dépend-il de nouveaux espaces, de nouveaux formats de présentation ? La question s’est posée dans le sillon des protestations qui ont marqué les dernières Fashion Weeks. À Londres, les activistes d’Extinction Rébellion ont appelé à l’annulation des semaines de la mode. L’organe de la mode suédoise a lui précipitamment annulé la Fashion Week de Stockholm en solidarité aux mobilisations pour le climat. Le geste suédois a suscité de nombreux débats au sein de l’industrie. Les têtes de files ont publiquement pris position à l’instar de Pascal Morand, le président exécutif de la Fédération de la Haute Couture et de la Mode, dans une tribune pour les Echos.fr. Le terrain est miné : le défilé – au cœur des semaines de la mode – symbolise à lui-seul le système de la mode.

Le mannequin Pat Cleveland, en madone, pour le défilé de Thierry Mugler tenu au Zénith à Paris en 1984. Ouvert pour la première fois au public, 6000 personnes y assisteront.

 

Répété saison après saison, le défilé assure, performe même, le lien symbiotique entre la mode et le nouveau. La face publique d’un système parfois opaque, il en consolide l’aura. Sa portée contemporaine s’établit à la fin des années 1960 avec le défilé de prêt-à-porter bien que la forme naît au début de XXe siècle. En 1966, dans un geste emblématique des changements qui s’annoncent alors, Pierre Cardin démissionne de la Chambre Syndicale de la Couture pour protester contre le délai de 30 jours instauré entre le défilé et la publication des images. La Couture perd alors du terrain : ses discrets défilés de salon sont peu à peu éclipsés par les spectaculaires défilés du prêt-à-porter. Kenzo en consolide les spécificités avec Cover Girls en 1973 en optant pour un podium, un éclairage dramatique et des mannequins spécifiquement sélectionnés pour le défilé. En 1984, Thierry Mugler ouvre le défilé au grand public ; la forme entre dans l’ère du divertissement de masse. D’autres grands moments suivront : les défilés-performances de Martin Margiela ou d’Hussein Chalayan ; les défilés-spectacles de John Galliano pour Dior (avec qui le défilé Couture prendra sa revanche) ; leur version plus sombre avec Alexander McQueen pour Givenchy puis pour sa propre marque. Le statut iconique du défilé et des créateurs qui lui ont donné ses heures de gloire rend difficile toute entreprise de refonte. Le fashion film dont l’existence est formalisée par le lancement de Showstudio en 2000 ne parviendra pas à en ébranler le règne. La plateforme en ligne débriefe d’ailleurs défilé après défilé sous la forme de « live panel discussions» grâce à l’accès quasi-immédiat et gratuit aux images des défilés permis par Vogue Runway (initialement style.com,) lancé en 2000 également.

@diorinthe2000s documente les années Christian Dior de John Galliano.

 

Le défilé a paru tout à la fois gagner et perdre en autorité avec l’émergence des réseaux sociaux. Des plateformes comme Instagram jouent un double rôle : elles consolident et diffusent l’héritage institutionnel en faisant ré-émerger en permanence les moments phares de l’histoire de la mode tout en multipliant les acteurs de sa production. De cette décentralisation naît une mode DIY, dont l’esthétique crafty se prête à une vie essentiellement virtuelle. Son influence apparaît parfois sur les podiums. C’est le cas chez le duo britannique Rottingdean Bazaar ; les tenues sont éphémères, parfois louées pour le temps du défilé. Certains critiques s’étonnent : s’il n’y a rien à acheter, quel est alors l’enjeu du défilé ? D’autres profitent du défilé et de la visibilité des réseaux pour inaugurer le see now buy now, soit la possibilité d’acheter les produits presque au moment où ceux-ci défilent. Vetements est l’une des premières jeunes marques à se lancer dans la pratique. Le collectif fait d’ailleurs de sa proximité avec ces structures de diffusion l’un des axes de son anti-institutionnalisme. En 2017, il renonce au défilé et diffuse sur Instagram un lookbook photographié dans les rues de Zurich. Figure publique du collectif portée à la tête de la maison Balenciaga en 2015, Demna Gvasalia s’amusera là aussi à jouer avec ces nouveaux espaces de la mode, promus par le selfie, que sont le salon, la salle de bain, la chambre à coucher…

Nombreuses sont les grandes marques à exclure toute disparition du défilé malgré leur volonté affichée d’atteindre un certain nombre d’objectifs environnementaux. Son impact carbone est donc financièrement compensé : c’est le cas chez Gucci par exemple. De plus, petits acteurs s’essaient au « digital show » à l’instar de la marque pour homme Cottweiler. D’autres encore spéculent sur sa complète virtualisation et envisagent de nouveaux débouchés pour la mode dans l’industrie du jeu vidéo. On ajuste donc le tir d’un côté, on spécule de l’autre sur une évolution structurelle de long terme. Entre ces deux pôles, d’autres d’initiatives plus modestes voient le jour. Elles sont motivées par la recherche de formats de présentation et de production plus en phase avec les réalités économiques de designers en début de carrière et les impératifs de durabilité ; pour d’autres, par la volonté de désaxer certaines pratiques de la commercialisation du vêtement.

En 2017, Vetements renonce au défilé et diffuse sur Instagram un lookbook photographié dans les rues de Zurich. La collection est portée par des passants dont les poses parodient celle du mannequin de mode.

 

Le défilé contraindrait les formats du design mode à la collection. On prend ses distances avec cet impératif en se concentrant sur une plus petite gamme de produits, parfois un seul, et en présentant en groupe. Le traditionnel showroom est transformé en un espace d’échanges. C’est ce que s’attache à faire le collectif Quality Time à Genève par exemple. Le champ de la mode se voit, dans le même temps, élargi. Le défilé, la création de vêtements, la photographie de mode sont redéployés en workshop ou en performances collectives dans le cadre du Fashion Cafe, par exemple, lancé par Marlie Mul et co à Bruxelles et dont une version verra le jour à Genève en 2020. Les fronts bougent donc sans pour autant faire table rase d’un format dont le potentiel est peut-être à ré-exploiter.

On s’y intéresse ici de plus près au travers de quatre entretiens, dont trois conduits avec des designers et intervenantes du Bachelor et du Master en Design mode de la HEAD–Genève : Faustine Steinmetz à la tête de sa marque éponyme spécialisée dans le denim ; Emilie Meldem, professeure à la HEAD, dont le parcours est fait de différentes expériences au sein de grandes maisons; Cosima Gadient à la tête d’Ottolinger, une jeune marque basée à Berlin, dont l’ascension a été fulgurante. Enfin, on conclut cette série sur un court échange avec Marlie Mul, à l’initiative du Fashion Café et actuellement co-responsable du Work.Master. Des inconvénients et des avantages du défilé à ses perspectives d’avenir, on fait un rapide tour d’horizon de la question.

 

Les interviews sont publiées soit en français, soit en anglais

« Le défilé est souvent pollué par le look et par le set design »


Entretien avec Faustine Steinmetz, créatrice de la marque éponyme et professeure invitée du Master en Design Mode de la HEAD–Genève.

Aude Fellay: Quel est ton rapport au défilé, à ce format défilé? Il n’a pas toujours été ton premier choix.

Faustine Steinmetz: Le défilé, pour moi, dévalue le vêtement. Je fais du jeans, et mes pièces, je les traite un peu comme des objets. Je prends un jeans, je le travaille et je le retravaille. Lorsque tu organises des défilés, tu travailles avec des stylistes, et ce qu’ils font, c’est qu’ils prennent tes pièces et les mélangent les unes aux autres pour créer un look. J’ai vraiment beaucoup de mal avec cette étape. Le look prend trop de place, les mannequins aussi. C’est aussi un format trop éphémère et trop rapide qui ne permet pas de voir le vêtement. J’associe le défilé à une mode que je n’aime pas.

Laquelle?

La mode du “je veux, c’est cool.” Ma mode, c’est la mode de l’objet, d’une forme d’artisanat. Dans cette veine, il y a la mode de Martin Margiela, la mode de Yohji Yamamoto, quoique même Yohji fait de la fast fashion, mais disons Bless ou, en moins conceptuel, la marque Pleats lease d’Issey Miyake. Ces designers se rapprochent du design d’objet, il y a quelque chose du métier d’art. Je ne dis pas que la mode devrait être intellectuelle et je n’aime pas d’ailleurs les gens qui tiennent de grands discours sur leurs vêtements. Pour moi, c’est vraiment une forme d’artisanat et j’ai beaucoup de mal à présenter mon travail sous la forme d’un défilé. Imagine si on demandait à des céramistes d’exposer leur travail dans ce cadre, ça paraîtrait absurde d’avoir tous ces gens qui se prennent en selfies à leur présentation. Quand j’ai commencé le métier, ma PR (ndlr. responsable des relations publiques) m’a dit qu’il fallait travailler sur mon front row, qu’il fallait donner telle pièce à telle actrice pour qu’elle vienne habillée en Faustine Steinmetz. J’ai trouvé vraiment nulle cette mentalité, cette vision de la mode.

À la fin de l’année, tu reviens pourtant au format défilé. Comment est-ce que tu l’as (re)pensé?

Je vais me passer des mannequins et j’ai décidé de ne pas faire de guest list. Donc, il s’agit plus précisément d’une présentation, d’un défilé ouvert à tous. Je veux que l’événement soit dirigé vers les gens qui vont réellement acheter les jeans. Mais pas uniquement, la présentation est vraiment ouverte au public.

On pourrait dire que ta démarche s’inscrit dans une sorte de dés-institutionnalisation de la mode, une mode hors système qui ne renonce pas au médium mode. Peut-on désaxer la mode du système? Y a-t-il un mouvement de fond dans cette direction?

J’ai l’impression que ce sont surtout de beaux discours. Beaucoup de designers et de journalistes disent vouloir changer la mode et son système, mais au final ils sont tous toujours en train de faire des défilés. Je suis très déçue de la mode en général sur ce point. J’adore la mode, mais je trouve qu’il y a aussi beaucoup d’hypocrisie dans le milieu. Beaucoup de marques ont parlé de cette question de la durabilité cette année par exemple. Mais selon moi, on n’a pas le droit d’employer ce mot si on utilise des sacs en papier dans son magasin qu’on entoure de sacs plastiques lorsqu’il pleut. Et ce n’est pas parce qu’un set (ndlr. scénographie) est recyclé que la pratique est durable. On a pris ce mot et on en a fait un argument marketing. Cela me rappelle ces publicités qui vendaient des chaussettes avec l’argument de l’anti-sweat technology. On fait pareil avec le durable.

Présentation de la collection printemps-été 2017 sous la forme de dioramas de Faustine Steinmetz à Old Spitalfields Market, Londres, © DR


Est-ce que le défilé et la fashion week, voire le concept de collection, sont à cet égard problématiques? L’origine du mal en quelque sorte?

Non, pas forcément. Je suis un peu prise dans une dynamique ambivalente: j’ai toujours un peu peur de me prononcer. Je me dis que si tout le monde défile, c’est qu’il doit bien y avoir une raison. En tant que jeune designer, je sais qu’il faut que je fasse ce que je veux faire, que je fasse ce en quoi je crois, mais c’est très effrayant. D’ailleurs, pour revenir au défilé, je suis contente d’avoir fait des défilés à un moment de ma carrière. Ce qui est problématique, c’est de faire des collections immenses tous les six mois. Ce qui dérange d’ailleurs ce n’est pas tellement de faire 70 silhouettes et 300 pièces, mais de le faire en se disant que les gens vont garder les pièces pendant des années. Au final, c’est un peu le mensonge de la mode de faire cette distinction entre le luxe et la fast fashion. Tout est de la fast fashion. Si on a les moyens de s’acheter une pièce Burberry, on n’aura quand même plus envie de la porter dans trois ans.

C’est ce que notait Extinction Rebellion dans une interview pour le Vogue UK en disant justement que cette distinction entre l’industrie du luxe et la fast fashion n’a plus de sens, et que l’industrie doit aujourd’hui prendre ses responsabilités.

Leur démarche m’agace aussi un peu. Il y a deux saisons mon défilé a été bloqué par des gens qui étaient contre la fourrure. Il y a plusieurs journalistes qui m’ont dit qu’ils n’avaient pas pu accéder à la présentation malgré le fait que je ne travaille ni la fourrure, ni le cuir. Il faut savoir de quoi on parle et contre qui on proteste avant de le faire. J’ai l’impression que c’est un peu ce qui s’est passé avec la Fashion Week de Londres. Sur deux journées du programme, je connaissais tout le monde et c’étaient des designers qui vendent 100 pièces et qui se rapprochent le plus de l’artisanat.

Est-ce que la formule du défilé dans le cadre d’une école de mode a toujours sa pertinence? Est-ce que, par exemple, le défilé de la Central Saint Martins t’a lancée ?

Moi non, mais je pense que ça peut être important si c’est vraiment bien géré, si le défilé est super clean. À la Saint Martins, le système qui marchait bien du temps où j’étais étudiante consistait à faire défiler toutes les collections avec les mêmes mannequins et les mêmes coiffures. C’était vraiment un showcase très épuré. Je trouve problématique que l’on commence tous à se dire que le défilé est un format à abandonner.

Cet été a été marqué par ces débats. La fashion week de Stockholm a été annulée pour raison environnementales. Pascal Morand, de la Fédération de la couture française, revendique lui le fait que la fashion week soit un lieu d’échanges, de rencontres, et qu’il est important de se réunir en tant qu’industrie.

Comment est-ce qu’on présenterait sans le défilé? Les gens ne regardent pas les vidéos qu’on poste en ligne. Lorsqu’il s’agit d’un évènement, les gens viennent, participent… Est-ce qu’il est nécessaire de continuer à le faire de la même manière? Peut être pas, mais comment le faire autrement? C’est aussi une énorme casse-tête de repenser le défilé.

Tu mentionnais la valeur du caractère impersonnel de la structure du défilé. C’est un point qui me paraît intéressant au regard de l’ultra-personnalisation de la mode et les conséquences parfois néfastes qu’elle peut avoir. Y a-t-il un intérêt à maintenir par ce format une forme de distance?

Après avoir beaucoup travaillé sur le format présentation, ça m’a fait un peu des vacances de faire un défilé! Pour les présentations, je dépensais beaucoup d’argent, je travaillais sur un set des mois à l’avance. En revanche, je trouve que le défilé est souvent, comme je l’ai dit, pollué par le look et par le set. Les sets, pour moi, ça ne marche pas. C’est vraiment juste du bruit. En même temps, il y a différents types de designers qui ont un autre rapport aux looks par exemple. Il y a beaucoup d’étudiants à la HEAD d’ailleurs qui font du styling puis qui construisent leurs vêtements sur cette base. Ça peut marcher pour certains profils, et je trouve ça beau, mais ce n’est pas ma sensibilité. Pendant que d’autres designers font leurs styling, moi je tisse.

On ne se l’avoue peut-être pas assez comme jeune designer, mais on ne peut pas tout faire. Ceci dit, j’ai l’impression que le concept de collection, pour la nouvelle génération, devient effectivement un peu plus flottant. As-tu l’impression que de plus en plus de designers font le choix de la spécialisation?

Non, j’ai l’impression d’être assez seule. Pour moi d’ailleurs, comme jeune designer, faire un total look et des défilés, c’est s’inscrire dans un système qui ne fonctionne pas ou plus. On dépense 10’000 euros pour faire des chaussures et on en vend 50 paires. Comment est-ce qu’on fait? J’ai l’impression qu’on est un peu coincé dans ce système. On n’ose pas dire “non, désolé, j’achète mes chaussures de défilé chez Carrefour parce que je n’ai pas d’argent”. Et il y a d’ailleurs beaucoup de jeunes créatifs très talentueux qui disent qu’ils n’ont pas les moyens de faire de défilé.

C’est assez paradoxal finalement puisque la mode est l’un de ces médiums qui se déploie très facilement sur différents supports.

Je pense que le changement fait peur parce qu’il y a des règles tellement établies. Il y a aussi beaucoup de mentors dans la mode, beaucoup de gens qui veulent te coacher. C’est des gens qui ont des MBA et qui t’expliquent comment ça marche, ce qu’il faut faire. Ça demande beaucoup de maturité et des années d’expérience dans la mode pour se dire qu’il est possible de faire certaines choses différemment./

 

« Fashion is so much about the overall thinking »


Interview with Cosima Gadient co-founder with Christa Bösch of the label Ottolinger and guest professor of the Master in Fashion Design at HEAD–Genève.

Ottolinger Spring/Summer 2020 collection

 

Aude Fellay: How important is a fashion show for your brand?

Cosima Gadient: It’s pretty crucial. It’s one of our biggest platforms to present our vision. That’s the moment we sell our idea. However, it doesn’t necessarily need to be a runaway show, it can also be a presentation. I feel a live presentation is very important though.

Your collections have a strong narrative element. Would you say the linear format of fashion shows is a useful storytelling device? Interestingly, although storytelling is quite present in your clothes, your sets are pretty minimal.

I guess it’s also a question of budget. However, when you have a location, you don’t need that much of a set. The models walking and the clothes, that’s enough for it to be super powerful. Our clothes are also very extreme at times so to have an installation on top would be too much I feel. Storytelling is still very present. We work on it closely with our stylist Ursina Gysi. We go through the line-up and all the looks to make sure we are telling a story. We sometimes keep changing the positions or certain looks until the very day of the show.

For the spring 2019 show you had a live performer. I read the Vogue review of the show, and the journalist wrote that “few experiences offer a more visceral version of magical realism than Burning Man.” Do you seek to elicit that type of reaction? Something quite visceral?

Not necessarily. It’s interesting how diverse the reactions are! I find it funny actually, but they’re not wrong really, they’re just different takes. Sometimes they’re quite funny to read because they’re so absurd and so different from what we had in mind. However, buyers sometimes rely on them so they’re important to us.

How important is styling for you? Having your pieces put together by someone else, is that something you enjoy?

I actually really like it. My friendship with Ursina, who does our styling, is very strong. We exchange images and ideas throughout the work process. Styling adds an extra layer of communication and it makes the collection more interesting. It’s also its own discipline. We don’t see ourselves as stylists.

What do you think about casting?

It’s very important to think about it. It’s not always easy to get the right people but it’s also a way of transcribing and enhancing your ideas. If people don’t consider it, I don’t think they’ll get what fashion is about. Fashion is so much about the overall thinking. It’s not only the clothes: it’s the models, the styling, the location, the music… It’s an entire world you have to create. You really want to make sure you translate your ideas through all of those channels.

You’ve said in an interview that you like to play with the word “couture” and challenge the luxury fashion’s status quo. Is this a principle you apply to fashion shows as well? There’s been a lot of debate recently on whether fashion should put on fashion shows or not.

I understand why people prefer “presentations” and I do like the idea. Fashion shows are so expensive for a start. Especially in Paris, budgets are insanely high. However, even for presentations you still need models, so costs end up piling up. On the other hand, I like the fact that a fashion show is so short, so cohesive in a way. It has to be very condensed. There’s a lot of power in those 7 minutes.

Today, when you look at front row images, you mostly see people holding up their smartphones, live-streaming the show, which means fashion shows are now accessed by a wider audience. You started out when this was already the case. How important is that to you? Can it be daunting sometimes?

It’s the way it is right now, so I think it’s always better to go with it. Thinking that the past was better doesn’t make sense to us. Also – for a brand like ours, from Switzerland – the digital industry and social media have totally helped us be where we are right now. They’ve made it more democratic: you don’t have to live in London, you don’t have to live in Paris. This window on your phone is like a window on the world.

We are seeing more and more designers moving out of big cities, partially because of rent, but also with the knowledge that they’ll still have an audience in London, Paris, etc. through social media. In this respect, have you ever thought of doing your fashion show in Switzerland? Would that be feasible?

Would people come here? It’s actually nice to have people attend in person. It’s a question of logistics but also of audience. I feel Switzerland is much more open at this point but it’s still somewhat conservative. I talk to people here and get their reactions about our shows, and I feel sometimes we’re a bit extreme for Switzerland. But why not? In the future, maybe./

 

« Tout donner pour dix minutes de performance, ça fait partie de la mode »


Entretien avec Emilie Meldem, designer de mode freelance et professeure en Design Mode à la HEAD–Genève.

Aude Fellay: Tu as travaillé pour des maisons comme Louis Vuitton, Hermès ou encore Peter Pilotto. Quelle est ton expérience du défilé? Comment est-ce qu’on vit le moment du défilé?

Emilie Meldem: Le défilé n’était pas forcément le meilleur moment surtout lorsque je travaillais pour des marques parce que j’étais confrontée à mes responsabilités. Avant le moment du défilé, on travaille vraiment dans l’ombre, derrière la figure du directeur artistique. On sait qu’au moment du défilé, la presse va parler des pièces, les juger, et ces commentaires nous concernent très directement. On passe d’une sorte de cocon, le studio, et une petite équipe qui travaille jour et nuit à une forme d’exposition. C’est toujours un moment un peu ambivalent. C’est très intense, très court, mais son impact est énorme.

Un impact démesuré?

Je pense que ce qui bouscule, c’est ce passage sans transition de la sphère très intime du studio à quelque chose qui nous échappe tout à coup complètement, qui est aussi très formaté, et qui est diffusé partout.

Est-ce que le fait de ne pas défiler change la dynamique d’un studio?

Oui, c’est clair. Les collections seraient complètement différentes. Lorsqu’il y a un défilé, les collections sont construites par une angoisse mêlée à une forme d’excitation de ce moment du défilé, par la possibilité de pouvoir changer un maximum de choses au dernier moment. On change la collection jusqu’à ce qu’on ne puisse plus la changer. Il y un rapport à cette deadline du défilé qui est parfois absurde. C’est comme si l’échéance décidait quelle idée était pertinente ou non, et donc le choix se fait un peu par hasard.

C’est quelque chose de commun à toutes tes expériences?

Plus ou moins. Les maisons fonctionnent de manière très différentes les unes des autres. Dans certaines grandes maisons, le directeur artistique n’est pas présent tout le temps. Le design développe des projets en amont, mais c’est seulement environ deux semaines à un mois avant le défilé lorsque le DA est présent tous les jours, que le vrai travail commence. Lorsque les DA sont là tout le temps, tu construis et tu déconstruis ta collection en permanence.

Est-ce que toutes les pièces développées pour un défilé sont nécessairement produites?

Là aussi, ça dépend. Certaines marques produisent tout ce qu’elles montrent lors du défilé. Pour beaucoup d’autres en revanche, il y a un travail d’ajustements. Elles ne produisent pas l’ensemble du défilé et développent des pièces commerciales qui ne défilent pas. Il n’y a pas de format établi. Le pouvoir de décision, en fait, ce sont les acheteurs qui le possèdent. Leur feedback est crucial, il détermine les pièces qui sont produites et celles qui sont abandonnées.

D’où l’importance des showrooms à la suite des défilés?

Il y a le glamour des défilés, mais ensuite il y a des paramètres très concrets de la vente en boutique. C’est un moment compliqué aussi parce que les pièces doivent se vendre, mais elles doivent produire de l’image. Elles doivent être faciles à réaliser tout en conservant leur valeur de pièce de luxe… C’est peut être pour cette raison que l’on développe autant d’idées en permanence: le produit parfait est très rarement atteint. Il y a d’un côté le défilé qui existe dans une sorte de vide, comme si rien n’existait après ce moment, et donc tout est permis. Et de l’autre, lorsque le défilé est terminé, une réalité commerciale qui prend le dessus. Il faut vendre, il y a des attentes des commerciaux. C’est un peu la douche froide.

Il n’y a pas de sentiment d’accomplissement une fois le défilé passé?

Si, parfois, dans les grandes maisons, dans lesquelles on ne prend pas part à l’aspect commercial. C’était peut être le cas à une autre époque aussi. Aujourd’hui, la période post-défilé se fait dans l’attente des feedbacks de la presse, des commerciaux, des acheteurs. La partie marketing a pris de l’ampleur, avant elle avait moins de place. Les designers étaient vraiment rois. Ce sont les commerciaux aujourd’hui qui dictent ce que l’on doit faire. Il est difficile de généraliser évidemment mais je crois que c’est le cas aujourd’hui dans beaucoup de maisons. Le designer a aussi moins d’importance aujourd’hui parce qu’il y en a tellement, il y a tellement de Fashion Weeks, il y a tellement d’images. Et finalement, aujourd’hui, les images de défilés ne sont pas si intéressantes en comparaison aux images éditoriales ou aux images d’Instagram. Je pense en fait qu’à terme la forme risque de beaucoup changer.

Pourtant on a l’impression qu’il y a surenchère avec des sets toujours plus instagrammables, des collections gigantesques.

Justement, je crois que cette surenchère annonce la fin. Ceci dit, on l’annonce depuis longtemps cette fin du défilé et on l’attend toujours. Mais je crois que les shows très commerciaux n’ont plus de sens. Par contre, présenter les vêtements dans une mise en scène, penser à une performance, je trouve cela vraiment important.

Quel regard est-ce que tu portes sur ces défilés qui ont marqué l’histoire de la mode? McQueen par exemple.

Je suis peut être old school mais pour moi ce sont des défilés incroyables. C’était le fruit d’une vision, c’était des moments magiques. Pour avoir participé aux shows de Louis Vuitton sous l’ère de Marc Jacobs, c’était vraiment fou. Il y avait quelque chose d’absurde aussi dans ces méga-productions. C’est d’ailleurs assez étrange que beaucoup d’étudiant·e·s ne connaissent pas ces designers et ces défilés. Mais ils avaient peut-être une autre valeur parce qu’il y avait moins de défilés. D’ailleurs, on connaissait ces collections par cœur. Les étudiant·e·s aujourd’hui n’ont plus le même rapport à ces défilés, d’ailleurs beaucoup ne connaissent pas certains de ces défilés iconiques et ne suivent plus les grandes maisons. Ce que je comprends, c’est impossible. Il y a six collections par année et un nombre incalculable de marques.

Est-ce que le revers de la médaille de ce type de défilé à la McQueen, à la Galliano, ce n’est pas l’ultra médiatisation du designer ?

Je pense qu’il est très important de maintenir le contrôle sur le contexte dans lequel les vêtements sont présentés. Dans le cas de McQueen, évidemment, le problème, c’est tout ce qui se passe autour, le poids des enjeux commerciaux autour des collections, la starification du designer. Tout cela prend des proportions extrêmes. Mais en même temps, cette idée de performance, de tout donner pour 10 minutes de performance, fait partie de la mode. C’est aussi une forme de dialogue entre le passé et le présent, et un dialogue entre les différentes marques aussi. C’est aussi un moment où l’on se confronte à l’avis des gens. Se mettre dans la position du spectateur au moment de penser la présentation, c’est aussi une manière de prendre du recul sur son travail.

Présentation de Carol Christian Poell pour sa collection homme printemps-été 2004 avec des mannequins flottants sur le Naviglio Canale Grande à Milan. © ADM, Graz, Wien.


C’est à contrecœur que tu verrais la forme disparaitre?

Oui, je pense que le genre peut se renouveler. Le format actuel dans lequel le défilé est simplement un outil de communication et un passage qu’on croit obligé va disparaître. Pour moi ce qui est vraiment à remettre en question, c’est ce système de calendrier. C’est ça qui ne fait pas de sens. Pourquoi est-ce que tout le monde doit sortir ses collections en même temps? Et pourquoi les mettre en vente six mois plus tard seulement? Il faut construire des systèmes parallèles, il y a internet aujourd’hui évidemment, les e-boutiques même s’il n’est pas simple de vendre du vêtement en ligne. Aujourd’hui aussi avec les moyens de diffusion, on peut faire une présentation devant 20 personnes. Il faut une bonne idée et la diffuser. Il y a plein d’alternatives possibles. Il y a plein d’exemples dans l’histoire de la mode aussi. En 2004, Carol Christian Poell a par exemple présenté sa collection en faisant flotter des mannequins sur l’eau.

Quel rôle le défilé doit-il jouer dans une école de mode?

Le défilé doit pouvoir donner une visibilité aux étudiant·e·s mais aussi leur permettre de se rendre compte de cette étape, de passer de quelque chose de très personnel, d’assez confidentiel, à la confrontation avec un public. C’est une étape fondatrice et formatrice donc je pense que c’est important qu’on en fasse l’expérience à l’école déjà. L’autre rôle, c’est la possibilité pour les étudiant·e·s d’expérimenter avec cette forme spécifique au design de mode./

 

« Buttons needn’t match, seams needn’t be finished »


Interview with Dutch artist Marlie Mul who teaches in the Work.Master at HEAD–Genève and runs the Fashion Café project.

Fashion Café by: Eilidh Nuala Duffy, Aidan Duffy, Valerie Kong, Marlie Mul, Maddy Thornalley/Hurtence, Kantine, Brussels, 2019. © Jerlyn Heinzen

 

Aude Fellay: What is your experience of fashion shows? You mentioned you were a model.

Marlie Mul: That was a long time ago. I was really young, it was the very late 1990s and early 2000s. It was an exciting experience. It’s very glamorous of course. Especially as I grew up somewhere in the countryside dreaming about fashion! But I got more insights about fashion working behind the scenes. I also saw how empty it could be.

Your work revolves a lot around the deinstitutionalisation of art. It looks like you are deinstitutionalising fashion too with your Fashion Café. What is the Fashion Café about?

Fashion Café happened quite organically from wanting to work with some friends that are based in London and that work in fashion and fashion journalism, Eilidh Nuala Duffy and Maddy Thornalley (Hurtence). It was about creating a community-based event. Brussels is not necessarily a fashion-focused city so the idea was also to open up fashion by generating access to a spontaneous and DIY approach to fashion. It involved working with existing material and items of clothing, and re-contextualising objects. The event took on the elements of fashion, such as models, fashion photographers, effect lighting, a musical soundtrack, cute drinks, but nearly as a pastiche, making it more accessible. I see that in the industry ‘fashion for everybody’ is not always applicable. But Fashion Café gestured towards this idea of owning fashion for oneself and for ones friends and community, taking it back, and sharing it.

Did you manage to reach beyond the art and fashion spheres?

The event was hosted by another art space so indeed, it mostly reached the art sphere, but you could definitely instigate it. This will hopefully be the case for the one we are planning in Geneva.

Fashion Café, 2019. © Jerlyn Heinzen

 

Why has it taken so long for such initiatives to emerge? Do we simply forget them too easily? Bless has been working on the margins of fashion for years, experimenting also with the ways in which fashion is shown…

There’s Bless, but Bless was never only DYI and it always had (and has) this sense of being built around very well tailored items. There were definitely other less tidy DIY moments in fashion around the same time. But maybe it’s never been as clearly tied to a context. Today, people are made to be quite aware of who they are and this is also a lot more politicized today. It feels like the only thing we have some feeling of influence over is our own self, our identity or our image of this. Identity searching and statements are a big part of an increasingly individualised society.

Then again, if fashion partakes in this obsession with ourselves, it also helps step away from it. There is this interesting case of an Instagram account through which people started sharing images of themselves wearing the same dress. I guess it’s also the aim of the Fashion Café to make fashion less of an individual pursuit.

It’s definitely about putting the community forward. As Fashion Café we worked with Valerie Kong who is an artist dealing with fashion questions and does an amazing project Exquisite Corpse. She has also done these workshops in galleries where people bring their own and second hand clothes to the space and transform them together into new, revamped items. On a basic level there are so many ways we can push against the legacy of western fashion hierachy: buttons needn’t match, seams needn’t be finished, stuff needn’t fit perfectly.

Do you think this separation of fashion from the fashion system is happening? Are we at a turning point?

As the no-property generation, we have less money to spend and so maybe DIY fashion is here to stay. And not the pre-curated by Topshop version of that but rather lucky thrifted finds and unorthodox combinations and so on. This is the only fashion we’ll be able to take part in. So yes, maybe that’s what we’re moving towards.